Tan es así que los dos escribieron sendos libros: Abdel escribió «Has cambiado mi vida», y Philippe Intocable, que sirvió de base en 2011 para la película Intouchables, que se convirtió en un exitazo de taquilla, primero en Francia y luego en materialmente el mundo entero; y dio pie a tres versiones fílmicas más (EUA, Argentina e India). Con estos antecedentes, su paso al teatro era sólo cuestión de tiempo.

Hoy, en una propuesta completamente desarrollada en México, con Morris Gilbert a la cabeza, AMIGOS INTOCABLES está en cartelera en el teatro Centenario Coyoacán.

La adaptación y dirección de escena es de Angélica Rogel, quien sin duda se ha colocado como una de las creativas más destacadas, versátiles y prolíficas de la actual escena nacional.

Al frente del elenco está Tony Dalton, quien regresa al teatro luego de una década de ausencia, durante la cual su carrera se consolidó a nivel internacional, en series y películas exitosas en el mundo entero. Tony da vida al complejo personaje de Felipe.

El papel de Abel es compartido por Sebastián Dante y Manuel Cruz Vivas.

El reparto lo completan cuatro talentosos y experimentados intérpretes: Mónica Dionne, Daniela Luján, Daniel Bretón y María Thisle.

El equipo creativo lo completan Aurelio Palomino (escenografía e iluminación); Luca Mersini (música original); Emilio Rebollar (vestuario); Georgina Coca (utilería); y Josué Guzmán (audio).

La producción general de AMIGOS INTOCABLES es de Morris Gilbert y la producción ejecutiva es de César Riveros.

AMIGOS INTOCABLES ofrece siete funciones a la semana, en el teatro Centenario Coyoacán, en los siguientes horarios: jueves 20 horas; viernes 19 y 21; sábados 18 y 20 y domingos 16:30 y 18:30 horas.

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S.A.B.R.O.S.A. (Sistema de Autodefensa Bio-Robótica para Ocasiones Sexuales Agresivas) es una comedia negra de alto voltaje escénico que confronta al público con una pregunta incómoda y urgente: ¿qué significa realmente hacer justicia frente al acoso contra las mujeres? A través de un lenguaje provocador, humor ácido y una estructura interactiva, la obra transforma el escenario en un tribunal y a la audiencia en jurado.

La protagonista, Doriana Moñonga, conduce un evento singular: un sistema de autodefensa bio-robótico ha sido diseñado para castigar a acosadores callejeros sin que ellos lo sepan. A partir de ese dispositivo, el público deberá decidir entre el castigo o la redención de los acusados, en una experiencia escénica que tensiona la risa, la incomodidad y la reflexión.

En un contexto donde el acoso contra las mujeres sigue siendo una realidad cotidiana y estructural, S.A.B.R.O.S.A. propone una experiencia escénica crítica, lúdica e incisiva. Lejos de ofrecer respuestas fáciles, la obra instala una pregunta ética en el centro del escenario: si la violencia es cotidiana, ¿por qué la justicia no lo es?

Escrita y dirigida por Mariana Hartasánchez, una de las voces más singulares de la dramaturgia contemporánea, la puesta en escena articula una mirada afilada sobre la violencia normalizada en el espacio público y la convierte en materia teatral sin renunciar al humor, al juego escénico ni a la participación activa del espectador.

Luego de su primera temporada en la Ciudad de México, S.A.B.R.O.S.A. fue invitada a formar parte del Festival Sor Juana 2026 en Chicago, organizado por el National Museum of Mexican Art, con funciones en el Aguijón Theater, uno de los espacios dedicados al teatro latino en esa ciudad.

Tras este paso por la escena internacional, la obra inicia una nueva etapa al llegar al Foro Alternativo del Centro Cultural Helénico, consolidando su trayectoria y ampliando el alcance de una propuesta escénica que dialoga con problemáticas urgentes desde una teatralidad crítica, provocadora y profundamente contemporánea.

Se trata de un unipersonal de gran potencia física y emocional interpretado por Susi Estrada, actriz originaria de Mérida Yucatán, con una trayectoria de más de veinte años en la danza folclórica y en el teatro nacional e internacional. Su trabajo escénico integra actuación, danza folclórica, presencia performática, humor crítico, sosteniendo un unipersonal que exige precisión, energía y gran conexión con el público.

A través de su interpretación, S.A.B.R.O.S.A. construye una experiencia que oscila entre la carcajada y la incomodidad, obligando al espectador a posicionarse frente a una violencia que con frecuencia se minimiza, se justifica o se normaliza.

La propuesta escénica de S.A.B.R.O.S.A.  hace uso de un lenguaje escénico híbrido y provocador que combina recursos de cabaret contemporáneo, teatro físico, folclor, canto y música original, creando una atmósfera vibrante donde el humor funciona como herramienta de crítica y el escenario se convierte en un espacio de fricción política y emocional.

Más que una denuncia frontal, la obra despliega una experiencia teatral que utiliza la ironía, el exceso y la participación del público para cuestionar las formas en que la sociedad procesa —o evade— la violencia de género en la vida cotidiana.

A la cabeza del equipo creativo se encuentra Mariana Hartasánchez en la dramaturgia, y en la codirección con Susi Estrada; Susi Estrada además de productora demuestra su gran talento histriónico en este montaje; el diseño escénico y de vestuario es de Carolina Jiménez; la composición y diseño sonoro corre a cargo de Claudia Arellano; la asesoría de movimiento es de Clarissa Malheiros; la  asesoría en danza folclórica es de Gloria Zupo, la producción general y ejecutiva es de En Su Tinta Producciones y Susi Estrada.

S.A.B.R.O.S.A. se presentará del 4 de julio al 16 de agosto de 2026 (suspende 18 y 19 julio), con funciones sábados y domingos a las 20:00 horas en el Foro Alternativo del Centro Cultural Helénico, los boletos tienen un costo de $248 (precio especial de preventa $124 hasta el 3 de julio) y se pueden obtener en taquilla del recinto y en la página https://teatrohelenico.comprarboletos.

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Más que una obra sobre perros, Los perros que salvaron mi vida es una confesión escénica sobre la pérdida, la salud mental, el duelo, la redención y la ternura como forma de resistencia. La historia es narrada desde la mirada de RUFO, un perro mestizo inspirado en Medusa, la perra real de Alan Blasco. Desde esa perspectiva inocente, leal y libre de juicio, el público acompaña a Aarón, alter ego del autor, en un viaje emocional donde el dolor no se esconde, pero tampoco se convierte en melodrama.

En esta nueva etapa, la obra regresa con más fuerza y con una madurez escénica construida a partir del encuentro con el público. Su esencia minimalista se mantiene, pero cada función profundiza en la conexión emocional con los espectadores. La dirección de Estefanía Norato y Abigail Pulido apuesta por una teatralidad honesta, contenida y profundamente humana, donde la palabra, el cuerpo, la música y el silencio construyen una experiencia de catarsis.

“RUFO es el símbolo de una comprensión sin juicios, que ve el alma tal cual es, más allá de errores o apariencias”, comparte Estefanía Norato.

Por su parte, Abigail Pulido señala: “Al narrar desde el ángulo del perro, el dolor de Aarón se baña de compasión absoluta: solo estar, sin consecuencias ni condenas, como solo los animales saben hacerlo. Eso equilibra y eleva toda la puesta en escena”.

La música original de Ana Tiaré funciona como un personaje más dentro de la puesta en escena. Sus melodías acompañan la alegría ingenua, el lamento sutil y los momentos de introspección sin sobrecargar la emoción. A ello se suma la escenografía minimalista de Edgar Mora, que transforma lo simple en un espacio simbólico donde la memoria, la ausencia y el amor encuentran una forma sensible de hacerse presentes.

Para Alan Blasco, autor y protagonista, esta obra nació como un acto de amor, pero también como un proceso de reparación personal. “Esta obra nació para exorcizar mis demonios y honrar a Medusa. La primera temporada fue cruda y luminosa a la vez; ahora, en esta nueva etapa, habito un espacio aún más poético y apacible. Es una oda al amor incondicional, contada con inocencia, donde el lenguaje se vuelve más suave pero igual de poderoso. Invita a cuestionar prejuicios, miedos y a redescubrir la capacidad de amar y perdonar”.

Sin embargo, esta temporada también marca un impulso mayor: convertir el teatro en un acto de responsabilidad social. En palabras del propio Alan Blasco: “Esta vez tomo el teatro con una razón social poderosa y profunda: darle voz a los que no tienen voz”.

Desde su primera temporada, Los perros que salvaron mi vida ha estado vinculada con La Fundación El Amor de Atenas y el Refugio Dejando Huella, un proyecto de rescate animal relacionado con un refugio enfocado en perros y gatos. Ubicada en Calimaya, Toluca, la fundación alberga actualmente a más de 50 animales que necesitan alimento, atención, cuidados, donaciones en especie, apoyo económico y, sobre todo, familias responsables que les brinden una nueva oportunidad de vida.

A través de la obra, Blasco ha convertido el escenario en un escaparate de visibilización para fomentar donaciones, difundir a los animales que buscan hogar y convocar a colegas, maestros, artistas y personas del medio que se han sumado generosamente a esta causa. Así, la puesta en escena trasciende la función teatral para convertirse en una plataforma sensible de conciencia y acción.

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“No hay plazo que no se cumpla, ni fecha que no llegue”, esta sabia frase popular aplica ahora para la puesta en escena CLUE, El juego de la sospecha, que este fin de semana ofrece sus últimas seis funciones.

Inicialmente iban a ser sólo 12 semanas; sin embargo, la recepción fue tan buena que se decidió prolongarla a 20. Por fortuna el éxito siguió y siguió, y se fueron acumulando funciones. Las semanas se convirtieron meses, que sumaron 18 meses de éxito absoluto.

Sí, un triunfo que se vivió a lo largo de 500 divertidísimas representaciones, que llegarán a su fin este viernes 29, sábado 30 y domingo 31, con dos funciones cada día.

Sobre CLUE, El juego de la sospecha, la crítica y prensa especializada dijo: “Una puesta en escena enloquecidamente divertida”; “Una producción teatral llena de misterio, comedia e intriga que conquista al público”; “Los espectadores reaccionan a carcajada abierta”; “Combina misterio, comedia y suspenso en una experiencia teatral única”.

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La historia parte de una premisa íntima y universal: cuando una madre muere, su esencia permanece en la comida que preparaba. A través del recetario familiar, Lola encuentra un refugio emocional y una guía para sobrevivir a la soledad, descubrir el amor, la amistad y reconstruirse desde la memoria.

La propia Ari Albarrán, junto con su madre, Enriqueta Luquin, y MariCarmen Núñez, dieron vida con sus propias manos a cada uno de los títeres, objetos animados y maquetas que conforman este universo poético. A través de ellos, el público podrá adentrarse en la imaginación de la protagonista y acompañarla en un viaje sensible, íntimo y esperanzador.

El equipo creativo está conformado por MariCarmen Núñez Utrilla en la dirección; Miguel Tercero en la música original y diseño sonoro; y Alondra Hidalgo como la voz de la madre, cuya presencia acompaña a Lola durante toda la obra como un eco de su linaje y herencia emocional.

Sobre el origen del proyecto, Ari Albarrán comparte: “Tenía muchas ganas de escribir un texto para ser representado con títeres. Mi principal idea era hablar sobre la familia y sobre la relación de una madre con su hija. Sin embargo, la idea de la herencia culinaria transformó la historia y así nació Lola”.

Asimismo, la creadora destaca que el montaje nace también del deseo de construir un lenguaje escénico propio: “La forma de que el público nos conozca era haciendo una obra que nos representara. Me gustaría que el público tenga una experiencia plástica muy amable, que logren empatizar con nuestras protagonistas y se sumerjan en este mundo que hemos creado con tanto esfuerzo”.

Recetas para la vida, espectáculo unipersonal de Ari Albarrán, tendrá temporada de ocho funciones, del 30 de mayo al 18 de julio en el Teatro La Capilla, con funciones los sábados a las 18:00 horas. Los boletos ya se pueden obtener en boletopolis en preventa con precio de 200 pesos hasta el 29 de mayo, a partir del 30 de mayo el costo será de 350 pesos en Boletopolis.

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En medio de esa herida emocional, el arte puede convertirse en refugio y compañía. Con esta visión nace Nur, ofrenda escénica, una propuesta interdisciplinaria que busca sanar a través de la expresión artística, transformando el duelo en memoria compartida.

¿Qué es ‘Nur, ofrenda escénica’?

El escenario se convierte en un altar vivo. ‘Nur, ofrenda escénica‘ es una propuesta interdisciplinaria que busca sanar a través del arte, transformando el dolor de la pérdida en una experiencia estética y compartida.

La obra combina teatro, danza y música en un ritual que honra la memoria de los seres queridos. Inspirada en tradiciones mexicanas como el Día de Muertos, «Nur» ofrece al espectador una vivencia sensible que ayuda a resignificar la ausencia.

De acuerdo con una investigación de la Fundación Universitaria Los Libertadores, expresiones artísticas como la escritura, el canto y la escenificación permiten procesar emociones difíciles de verbalizar. En este montaje, esas conclusiones se traducen en una experiencia colectiva que conecta al público con la esperanza.

Los creadores de Nur destacan que no se trata solo de una obra de teatro, sino de un espacio de encuentro donde la comunidad puede abrazar el duelo y transformarlo en belleza. La puesta en escena se presentará este jueves 25 de septiembre en el El77 Centro Cultural Autogestivo de la Ciudad de México.

Con Nur, ofrenda escénica, el arte se confirma como un aliado poderoso para acompañar las despedidas.

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Dos bailarines masculinos —Alberto González y Homar Méndez— invitan al público a sumergirse en una travesía de deseo y seducción, donde cada detalle es clave: la coreografía, la música, la puesta en escena y los cuerpos como instrumentos expresivos.

Esta versión se suma a la propuesta original, ofreciendo una nueva perspectiva que promete encantar al público más exigente.

Por qué verla?

• Una experiencia única: la versión masculina ofrece una mirada fresca y envolvente del espectáculo, con una atmósfera íntima y sensorial que rompe con lo tradicional.
• Andro-estética y conexión física: al prescindir de escenografía literal, el cuerpo y el espacio se convierten en lenguaje que transporta al espectador a un viaje sensorial de profundidad.

Esta es una experiencia teatral inmersiva que fusiona pasión, arte y música en un universo sensorial diseñado para encender tus emociones. ambos bailarines invitan al público a sumergirse en una travesía de deseo y seducción, donde cada detalle es clave: la coreografía, la música, la puesta en escena y los cuerpos como instrumentos expresivos.

Esta versión se suma a la propuesta original, ofreciendo una nueva perspectiva que promete encantar al público más exigente.

La experiencia en dos actos

• Primera parte: Te hacen pensar en cómo se siente el deseo.
• Segunda parte: Te transportan a un segundo escenario de danza, resaltando la fuerza escénica y el atrevimiento de esta propuesta.

Este recorrido emocional y corporal convierte a DESEO en una experiencia inmersiva que va más allá de lo visual: es un viaje de sensaciones y provocaciones.

“DESEO Elenco Masculino”, “Jessica Sandoval”, “teatro inmersivo CDMX 2025”, “danza sensorial CDMX”, “obra Deseo México”, “bailarines masculinos inmersivo”, “experiencia teatral sensorial CDMX”.

Idea original y dirección: Jessica Sandoval

Elenco: Alberto González y Homar Méndez

Funciones: Miércoles, 8:00 pm

Un Teatro, Nuevo León 45, Condesa

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La Secretaría de Cultura del Gobierno de México, a través de la compañía Anhelo Teatro, y el Centro Cultural Helénico, presentan esta pieza de teatro documental que pone sobre la mesa una serie de interrogantes: ¿con qué se enfrentan quienes buscan?, ¿cómo prosiguen con la búsqueda? y ¿qué tipo de
trato reciben por parte de las instituciones que deberían apoyarles?

Un proyecto que explora los distintos aspectos de este proceso al que se enfrentan miles de familiares de desaparecidos. La obra, traza un vínculo generacional entre las violencias ejercidas durante la guerra sucia de los años setenta hasta las que comenzaron a suscitarse a partir de la llamada “guerra
contra el narco”.

La puesta presenta el caso de Antonio Reynoso —joven desaparecido el 30 de agosto del 2013 durante un operativo policial irregular en Tlaquepaque, Jalisco —, entrelazando tres voces fundamentales: el testimonio en vivo de Mayra Hernández (su madre), los relatos de otras madres buscadoras y líderes de colectivos de búsqueda, así como el análisis de especialistas que contextualizan esta crisis humanitaria.

Un mosaico documental que va de lo personal a lo colectivo. Para la producción es importante situarse en lo que acontece en Jalisco, estado que ocupa entre el primer y tercer lugar en índice de personas
desaparecidas en México y el primero en desaparición de jóvenes entre 16 y 25 años a nivel nacional: “Miles de familias jaliscienses son privadas de la necesidad espiritual de realizar un rito de despedida a sus seres queridos que siguen sin aparecer; aunado a ello, se enfrentan con una violencia institucional y burocrática que, lejos de coadyuvar en su búsqueda, lastima y entorpece a las familias, siendo esta violencia reconocida por el actual Plan Estatal de Desarrollo que diagnostica problemáticas como averiguaciones previas mal integradas, personal insuficiente, pésima organización, y escasa resolución de casos.”

El montaje se estrenó el 30 de agosto de 2021, coincidiendo con la conmemoración del Día Internacional de las Víctimas de Desapariciones Forzadas y el aniversario de la desaparición de Antonio Reynoso, cuyo caso vertebra la obra. Desde entonces, la compañía ha presentado funciones anuales en diversas ciudades, transformando cada actuación en un homenaje vivo a quienes siguen sin ser encontrados.

Después de las ausencias se realizó con apoyo del programa Proyecta Producción de Cultura Jalisco, así como de Enartes del FONCA. También realizó una gira a nivel estatal gracias al programa Habita la Escena de Cultura Jalisco, Sistema de Apoyo a Proyectos Culturales en la vertiente de Fomento y Coinversiones, así como una gira nacional a través del Circuito Nacional de Artes Escénicas en Espacios Independientes 2022 del Centro Cultural Helénico.  

El elenco lo integra Adriana Palafox y Alex Morán. Mientras que el equipo creativo lo conforma: Juliana Orea y Abel Tejeda en la producción audiovisual; Nano Cano en el diseño de iluminación y en el diseño y realización de espacio; Nancy Martínez en la operación de iluminación; Julieta Casavantes en el diseño de vestuario; Luisa Pardo en la asesoría en creación escénica documental; Teófilo Guerrero en la asesoría en dramaturgia, y Jenny Cruz en la producción ejecutiva.

Después de las ausencias se presentará solo dos días el 30 y 31 de agosto de 2025, con funciones el sábado y domingo, a las 18:00 horas en el Foro La Gruta del Centro Cultural Helénico. El boleto tiene un costo de $238.

Las entradas se pueden adquirir en las taquillas del Centro Cultural Helénico, ubicado en avenida Revolución 1500, o a través de la página: helenico.gob.mx

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¡Este 15 de agosto nace un nuevo espacio teatral!

Así es como los anunciaría Lulú; y la verdad es que repetirlo es más que necesario y no sólo cuando lo pronuncia este icónico personaje de la comedia más exitosa de la cartelera: TOC TOC, sino en todo momento porque se trata de un hecho doblemente importante: ¡histórico!

Primero porque siempre es un gran acontecimiento la inauguración de un nuevo espacio escénico. Y más aún cuando se abre en el corazón de la ciudad, en uno de los sitios más emblemáticos de la misma: el complejo que ocupa el World Trade Center. 

Sí, MejorTeatro inaugura este 15 de agosto la flamante Sala Pepsi Black.

Así es como los anunciaría Lulú; y la verdad es que repetirlo es más que necesario y no sólo cuando lo pronuncia este icónico personaje de la comedia más exitosa de la cartelera: TOC TOC, sino en todo momento porque se trata de un hecho doblemente importante: ¡histórico!

Primero porque siempre es un gran acontecimiento la inauguración de un nuevo espacio escénico. Y más aún cuando se abre en el corazón de la ciudad, en uno de los sitios más emblemáticos de la misma: el complejo que ocupa el World Trade Center. 

Sí, MejorTeatro inaugura este 15 de agosto la flamante Sala Pepsi Black.

Para hacer posible esta apertura Morris Gilbert ha contado con el entusiasmo apoyo de Luis Fernando Alcalá, CEO Pepsi Center y del centro internacional de exposiciones y convenciones WTC; Justino Hirschhorn presidente del consejo de administración; y Mauricio Gil Maldonado, director de la Sala Pepsi Black.

Asimismo, contamos con la experiencia del equipo de MejorTeatro encabezado por César Riveros, productor ejecutivo de TOC TOC; y Sandra Olivares, directora técnica.  

La Sala Pepsi Black, es un espléndido y hermoso espacio escénico perfectamente equipado, con la más alta tecnología al servicio de los montajes que ahí se presentarán; y tiene una capacidad para 370 espectadores; ubicado en la planta alta del Pepsi Center. 

Se trata también de un hecho sin precedentes porque la apertura se realizará con la exitosísima puesta en escena TOC TOC, que tendrá temporadas simultáneas, pues se mantendrá en el Centro Cultural San Ángel, de jueves a domingo en sus funciones habituales; y al mismo tiempo se presentará en la flamante Sala Pepsi Black de viernes a domingo, a partir del 15 de agosto y por únicamente cuatro semanas.

Las funciones de las temporadas simultáneas de TOC TOC, quedan de la siguiente manera:

SALA PEPSI BLACK (del 15 de agosto al 7 de septiembre)

Viernes 20 horas

Sábados 18 y 20 horas

Domingos 13:30 y 17:30 horas

CENTRO CULTURAL SAN ÁNGEL (temporada abierta)

Jueves 20 horas

Viernes 19 y 21 horas

Sábados 18 y 20 horas

Domingos 13:30 y 17:30 horas

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En esta ocasión tan especial, la presencia de La Bogue engalanó como madrina de honor, las 200 representaciones de la obra, aportando no solo su carisma, sino también un aire místico y lleno de fuerza que conecta con la esencia del programa.

La Mano Peluda siempre ha sido un referente en las noches de terror, con historias que marcaron a generaciones de oyentes. Este episodio maldito fue más intenso, con elementos modernos y guiños a los relatos más icónicos que dejaron huella en la cultura popular.

El público sin duda, esperó con ansias El Episodio Maldito, pues generó intriga sobre qué suceso oscuro marcó el fin de una etapa radiofónica de la que José Ramón Sánz fue protagonista y que se conectó con la tradición paranormal que el programa lograba con sus transmisiones noche a noche.

Para esta noche de manteles largos y celebración de 200 representaciones, La Bogue develó la placa conmemorativa e hizo hincapié en que un día antes se festejaban 30 años del lanzamiento del icónico programa que dejó huella en la historia radiofónica de nuestro país.

La Mano Peluda: El Episodio Maldito cerró temporada el 15 y 16 de agosto en el Teatro Ofelia, sitio emblemático que tuvo mucho qué ver con la historia.

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